ESCULTURA GÓTICA

En la escultura gótica se rompen algunos iconos del período románico, tales como el hieratismo y la frontalidad de las figuras, dando paso a un progresivo naturalismo. La expresividad cambia, las figuras se hacen más humanas y reflejan sentimientos a los fines de adecuarla a una nueva mentalidad acordes con los conceptos filosóficos de hombre y naturaleza. Así la representación de Cristo se hace desde una perspectiva más humana para acercarlo al creyente; igual sucede con la Virgen María, ya no se reproduce como un trono donde se sienta Cristo a gobernar, sino que aparece más maternal y femenina.

“…La escultura gótica hunde sus raíces en la del período románico de la que heredó buena parte de la temática y muchos de sus principios funcionales y estéticos, pero difiere profundamente de ella en dos aspectos fundamentales. Por un lado, la escultura gótica, aun siendo esencialmente monumental como la románica, tiende a independizarse de las exigencias del espacio arquitectónico; de otro, se aleja de la rigidez y esquematismo de origen bizantino propios del románico para abrirse hacia un naturalismo y un realismo que se incrementarán a lo largo de su evolución…” (“Historia del Arte”. Ed. Lafer, tomo 2, pág. 222)

Virgen Blanca de Toledo

También podemos decir que tal como sucede en la arquitectura, la plástica gótica refleja luminosidad e ingravidez, lo que se advierte en la estilización y alargamiento de las figuras y en sus posturas en curva, en especial durante el siglo XIV. En efecto, a partir de este siglo las formas góticas evolucionan hacia un estilo manierista, en el cual se subraya los rasgos sentimentales y las figuras se doblan para adquirir un perfil sinuoso, resaltado por los pliegues de las vestiduras.

Durante el gótico se desarrollan dos tipos de escultura:

1) La escultura monumental: dependiente de la arquitectura y realizada en piedra es elaborada para adornar profusamente las fachadas de las catedrales; no obstante se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo, respecto a la escultura románica, tal como se indicó anteriormente.

Catedral de Chartres. Portada del triunfo de la Virgen. (Francia). En el año 12o4, el conde de Blois donó a la catedral de Chartres la cabeza de Santa Ana, en cuyo honor se colocó la figura de la santa en el parteluz de la puerta central. En el tímpano aparecen representados la muerte y asunción de la Virgen, en el extremo superior esta la Virgen en majestad con el Niño Jesús sentado en su regazo. La escena esta rodeada de ángeles y diferentes figuras del Antiguo Testamento.

En verdad, la escultura gótica continúa desempeñando un papel fundamental en la configuración del edificio, pero tiende a hacerse independiente, de tal modo que las proporciones de las figuras no están subordinadas al espacio arquitectónico, sino que en muchos casos se transforman en verdaderas estatuas adosadas a los muros o tímpanos. Puede decirse que con el gótico renace el concepto de estatua que había desaparecido totalmente desde los tiempos antiguos.

Las Virgenes Necias.- Catedral de Magdeburgo. El grupo esta formado por 5 virgenes prudentes y 5 necias vestidas a la moda del siglo XIII; aparecen sin idealización alguna como muchachas de la época. Las prudentes sostienen alzadas las lamparas de aceite, mientras que las necias las dejan caer. Todas las figuras estaban policromadas, lo que le daba una vivacidad extraordinaria al conjunto. Las virgenes con sus vestiduras en movimiento y sus hermosos gestos se liberan de la rigidez propia de la estatuaria monumental y niegan la disposición axial determinada por la arquitectura, de este modo, la clasica vista delantera se amplia hacia los lados. 

2) La escultura de busto redondo: Son figuras realizadas en madera policromada, marfil o metal completamente independientes de la arquitectura. Con ellas, el arte gótico recobra el concepto clásico de la escultura; la temática de las obras es fundamentalmente de carácter religioso. En Alemania aparecerá, por primera vez desde la antiguedad, una escultura ecuestre de bulto redondo, el Jinete o Caballero de Bamberg.

Caballero de Bamberg. Es la primera estatura ecuestre a tamaño natural desde tiempos antiguos. Se desconoce la identidad del personaje, pero se presume que sea San Esteban de Hungría. se encuentra en la catedral de Bamberg y fue construída entre los años 1225 y 1237.-

Igualmente se desarrolla una importante escultura funeraria. Sobre la cama mortuoria se representa al fallecido en posición yaciente y orando, algunas veces, de acuerdo a la importancia del fallecido se le acompañaba de un cortejo funerario compuesto por llorantes y encapuchados. Este tipo de escultura se realiza por encargo de nobles y burgueses y se colocaba en las capillas.

Tumba de Filippe Le Pot, procedente de la abadía de Citeaux, París. Museo del Louvre. Existe una importante iconografía de la muerte durante el medioevo, no sólo se le representa como un esqueleto portando una guadaña, simbolo de la futilidad de la vida, sino que tambien se le individualiza dando homenaje póstumo al difunto, quien aparece generalmente yacente, como si estuviese dormido con sus ropajes o armas de caballería, acompañado de figuras orantes. También tenemos los púlpitos y las sillerías de coro, que cumplieron una función decorativa de carácter complementaria muy importante, las últimas servían de asiento a las personas importantes y estaban ricamente decoradas por relieves en madera.

CARACTERISTICAS DE LA ESCULTURA GÓTICA.-

1.- NATURALISMO: 

Una de las características fundamental de la escultura gótica es su profundo realismo, el maestro se inspira directamente en la naturaleza para la concepción de la figura. “…El arte románico, dominado por el Dios apocalíptico y por una visión trascendental y simbólica del universo, es sustituido por una complacencia decidida en las bellezas de la naturaleza, dignas de admiración en cuanto son obras de Dios, y por un humanismo equilibrado y profundamente cristiano que dignifica al hombre y a la creación toda, pues lo considera como manifestaciones de las verdades eternas. Ningún campo de la realidad es ya ajeno al interés de los escultores que se deleitan en representar tal como son en realidad los diversos reinos de la naturaleza…” (Historia del Arte. Edt. Lafer, tomo 2, pag. 223) Los artistas góticos tímidamente se interesan por el cuerpo humano y así vemos que inspirados en el arte clásico van a mostrar la estructura del cuerpo bajo los pliegues de los vestidos, e incluso van a aparecer algunos desnudos como personificación del pecado y de la condena del alma, tal como lo planteara El Bosco en su pintura flamenca.

Filippo Calendario.-El Pecado Original. (detalle) El Palacio del Dux. Venecia. Antes de ser ajusticiado en el año 1355 por haber particiapado en una conjura contra el Dux, Calendario había trabajado en la construcción del Palacio del Dux. Realizó las esculturas de la embriaguez de Noé y la del pecado original, ambas revelan una fuerte expresividad y naturalismo. Aparecen separados por una higuera con la culebra enroscada. Adán y Eva no se miran.sino que se vuelven hacia el expectador. Eva sostiene un higo (en lugar de una manzana) en su mano derecha y con la izquierda señala a Adán, haciendolo participe del pecado. Es obvio, la capacidad del autor para copiar la naturaleza

“… De nuevo, como en la época del gran despertar de Grecia, empezaron a contemplar la naturaleza, no tanto para copiarla como para aprender de ella a realizar figuras de aspecto convincente. Sin embargo, existe una gran diferencia entre el arte griego y el gótico, entre el arte del templo y el de la catedral. Los artistas griegos del siglo V a.C. se interesaron principalmente en cómo construir la imagen de un cuerpo bello. Para el artista gótico, todos esos métodos y recursos no eran más que medios para un fin: representar su tema sagrado de la manera más emotiva y veraz posible…(”La Historia del Arte” E.H.Gombrich. Edt. Phaidon., pág. 193). 

2.-HUMANIZACIÓN:

La representación de la vida de Cristo y de los santos responde a una mentalidad más humana y natural, próxima a los conceptos filosóficos de hombre y naturaleza de la filosofía escolástica. “… El hieratismo geométrico de la figura escultórica románica que induce una percepción atemporal y simbólica deja paso a un progresivo naturalismo…”.

(http://www.arteguias.com/esculturagotica.htm).

Maria Lactans. Museo Nacional de San Mateo, Pisa. La escultura en mármol fue hecha entre los años 1343 y 1347 para la Iglesia de Santa María della Spina. Existen dudas sobre su autor, Vasari se la atribuyó a Nino Pisano, hijo de Andrea Pisano; pero actualmente se considera que la misma es obra del padre. Esta Virgen, la primera que aparece dando el pecho dentro del arte italiano es una muestra clara de la humanización de las las figuras, nada más hermoso y natural que una madre amamantando a su hijo. La Virgen lactando, más que reina de los cielos es madre de Dios y de la humanidad.

Esta humanización de las figuras en la escultura gótica pretende acercar los dogmas religiosos al creyente, se representan los temas sangrados de una manera más emotiva y sincera, de ahí que las figuras reflejen las emociones humanas, las figuras ríen, lloran, sufren como cualquier cristiano; en este sentido podemos señalar que el arte gótico es profundamente expresivo.

El ángel de la sonrisa, catedral de Reims (Francia). Notre-Dame de Reims es conocida también como la "catedral de las coronaciones" o la "catedral de los ángeles". Esto se debe a que los contrafuertes laterales están rematados por nichos ocupados por grandes ángeles con las alas desplegadas. El más célebre de todos, el Ángel de la sonrisa, situado en la portada de la izquierda, es el emblema de la ciudad.

Como ejemplos de esta humanización, observamos que si en el románico, Cristo aparece sereno e insensible al dolor, en el gótico se representa como un hombre padeciendo todo el sufrimiento del martirio y de la muerte, este Cristo adolorido se aproxima a la humanidad sufriente y hace hincapié en la redención. La Virgen María abandona la actitud hierática y distante del Románico, deja de ser representada como un trono para su hijo y adopta una actitud más femenina y maternal, existe contacto visual entre ella y Jesús y su rostro se llena de dulzura e incluso ronríe. También se representa como la madre dolorosa, tránsida de dolor por la pasión y muerte de su hijo.

3.-CARACTER MONUMENTAL:

Se entiende como escultura monumental aquella que es creada para realzar la arquitectura y a la cual se encuentra íntimamente integrada, formando una unidad, de tal forma que no puede concebirse la primera independientemente de la segunda.

Puerta de la Catedral de Burgos

Heredada del mundo románico, el arte gótico también desarrolló una intensa escultura monumental; aunque se producen algunos cambios, tales como: 

a).- La dependencia de la escultura al soporte arquitectónico se suaviza en el nuevo periodo. La esculturas empiezan a liberarse de las paredes y a ser cada vez más autónomas Así aparecen las columnas-estatuas, que a pesar de estar integradas al espacio, conservan su autonomía y están desligadas del marco arquitectónico. 

b).- La escultura monumental gótica se localiza primordialmente en el exterior del edificio, especialmente en las portadas de las catedrales. En los tímpanos de las puertas continúa colocándose a Cristo Pantocrátor acompañado del Tetramorfo, es decir el Cristo como Juez acompañado de los los cuatro evangelistas o sus símbolos, además se suele completar la escena con los veinticuatro ancianos del Apocalipsis en las arquivoltas. También suele representarse escenas sobre la Virgen María.

Portada de Nuestra Señora de París.- Tiene como argumento el juicio final. Al centro aparece Cristo entronizado, levantando la mano con la llaga del martirio, a su lado dos angeles sostienen los instrumentos de la pasión (la cruz y la lanza). Le siguen las figuras de la Virgen y San Juan, quienes aparecen de rodillas con el fin de interceder por la humanidad. Cristo esta sentado sobre una imagen de la Jerusalen celestial de la que habla el Apocalipsis de San Juan. Abajo, un ángel pesa las almas; los condenados van al infierno obligados por uno los diablos y los justos al cielo donde son recibidos por otro ángel ubicado en la arquivolta de la izquierda. En las jambas estan representados los doce apóstoles que miran al Cristo de parteluz.

c).-El habitual parteluz de las puertas góticas suele ser ocupado por una "figura amable" que da la bienvenida al feligrés, como "Cristo Maestro" o la Virgen María. Se simboliza la entrada al paraíso y por ello se concibe una entrada agradable.

Virgen blanca de León

En el parteluz de la portada principal de la catedral leonesa encontramos la figura de la Virgen Blanca, considerada una de las imágenes más atractivas del gótico español. En la actualidad contemplamos una copia, guardándose el original en una de las capillas de la girola. El Niño muestra una leve sonrisa lo que responde a un arte más fino que en el resto de las figuras de la portada. 

 

d).- Durante la época románica, el capitel tuvo gran importancia religiosa y arquitectónica, ejemplo de ello fueron los famosos capiteles historiados. Pero en el gótico, los capiteles dejan de ser un espacio importante para los relieves y su forma se simplifica y estiliza, hasta llegar a desaparecer en un conjunto de nervios que se integran a la bóveda. 

e).- Por ultimo, aparecen las gárgolas o monstruos que además de cumplir una función ornamental, servían para expulsar las aguas.

Gárgolas de Nuestra Señora de París.- Las gárgolas son seres inmaginarios relacionados con los Bestiarios mediovales; la palabra deriva del francés "gargouille" que significa algo como hacer gárgaras. Cumplían 3 funciones: desaguar los tejados, decorar esteticamente dichos desagües y ahuyentar a las brujas y demonios.

4.- FUNCIÓN DIDACTICA:

El mensaje didáctico continúa presente en la escultura gótica, “…sin embargo, advertimos que el escultor gótico ha emprendido su tarea con nuevo espíritu. Para él, esas estatuas no son sólo símbolos sagrados, solemnes evocaciones de una verdad moral, sino que cada una de ellas debió ser una figura válida por si mismo, distinta de su compañera en su actitud y tipo de belleza, para lo cual revistió a cada una de dignidad individual…” (”La Historia del Arte. E.H. Gombrich, p 190)

Nicolás Pisano.- Púlpito de Pisa. Los monjes Franciscanos acostumbraban a predicar en púlpitos adornados con imágenes, así que en este caso, el púlpito no es sólo el escenario para predicar la palabra de Dios sino que es una verdera pancarta de hechos bíblicos. Aparecen representados varios episodios como la anunciación, el nacimiento, la adoración de los pastores, la cruxificación y el juicio final. En la imagen aparece la Cruxificación de Cristo.

5.- SIMBOLOGÍA: 

Tal como sucedió durante la época románica, la escultura gótica esta llena de símbolos que eran fácilmente reconocibles por los Cristianos y que ayudaban a transmitir el mensaje bíblico. Cada santo aparece señalado claramente con su respectivo símbolo, de tal forma que pueda ser plenamente identificado y que asimismo su mensaje pudiera ser comprendido fácilmente por el espectador. Por ejemplo, en el pórtico de la catedral del Chartres (Francia) se dio vida a varias figuras que eran cómodamente identificables gracias al símbolo que la acompañaba: Abraham se representa como un viejo que sostiene a su hijo dispuesto al sacrificio, Moisés aparece con las tablas de los diez mandamientos y Melquisedec, rey de Salem fue esculpido con el cáliz y el incensario sacerdotal por ser el modelo o patrono de los sacerdote, etc…

Catedral de Chartres (detalle).-En la jamba oriental de la catedral de Chartres puede verse a Melquisedec, Abraham con Isaac, Moises con la serpiente de bronce, Samuel y David, en la occidental aparecen Isaias, Jeremías, Simeón, San Juan Bautista y San Pedro, todos ellos pueden ser identificados gracías a sus atributos. 

6.-  ICONOGRAFIA GÓTICA:

Las figuras más representadas durante la época gótica pertenecen al tema religioso: La imagen de Cristo en la cruz abandona la rigidez majestuosa del románico y se hace más humano, lleva una corona de espina y un paño o lienzo con pliegues, las piernas se retuercen y sus pies están juntos clavados con un solo clavo (a diferencia del románico, los pies no están separado, sino juntos), se destaca la herida del costado y su rostro expresa dolor. Continúa representándose al Cristo Pantocrátor y el juicio final. También se reproduce la figura del Niño Cristo. La Virgen adquiere durante el gótico pleno protagonismo, se le representa como madre, bella e idealizada, en contacto directo con su hijo. Ya no es la "Majestas Mariae" del románico sino una madre humanizada que sonríe al espectador. También se le representa como la madre dolorosa, abatida por los dolores de la pasión.Igualmente se representan figuras bíblicas y escenas de la vida de los Santos, siendo el preferido San Francisco de Asís, por ser el patrón de los Franciscanos, principal orden religiosa de la época.

Cristo Pantocrator, Catedral de Burgos. La imagen de Cristo como juez universal continúa presentándose durante el gótico, aquí aparece acompañado de los simbolos de los cuatro evangelistas, conocido como el Tetramorfo, Se observa mayor movimiento que en el románico y los cuerpos se adivinan bajo los plieges de la ropa.

Anónimo. La Piedad de Roettgen.- Madera policromada.- (aprox. 1300), altura 88 cm. Museo de Bonn. La piedad es una de las representaciones más conmovedoras del arte cristiano. Se representa a la Virgen como la Dolorosa, con Cristo muerto en su regazo. Aquí la Virgen estremecida por el dolor físico y espiritual sostiene el cuerpo del hijo brutalmente sacrificado, la cabeza con la corona de espina cae hacia atrás y de las llagas manan gotas de sangre en forma de un racimo de uvas, símbolo mistico de Cristo. Esta es una de las primeras obras de este tipo iconográfico, caracterizado por su estilo drástico o terribilismo. Este tipo de obra promovía la mortificación corporal, práctica muy extendida en el medioevo , que en algunos casos llegará al extremo en los movimientos de los flagelantes.

ESCULTURA FUNERARIA

La escultura funeraria.- La muerte en el medioevo se traduce en una abundante iconografía, en parte por la experiencia de la peor pandemia de la historia: la Peste Negra; y por la otra, por la necesidad de proyectarse en el tiempo. Así, la muerte no sólo se representa de manera general como un esqueleto portando una guadaña, símbolo de la futilidad de la vida, sino que también se representa de manera individualizada como homenaje al propio difunto. Es así que el finado aparece generalmente de forma yaciente, como si estuviese dormido con sus ropajes o armas de caballería, acompañado de figuras orantes que se sitúan al lado del sarcófago. Ejemplo: tumba de Philippe Pot.

Retrato.- En la época gótica aparece la figura del cliente, aquella persona que ordenaba la ejecución de una obra artística. Esto trajo consigo que muchos de ellos, ya sea por el deseo de preceptuarse en el tiempo o por la simple vanidad de demostrar su poder o riqueza exigiese ser representado en la obra, la mayoría de las veces el donante aparecía de rodillas a los lados de las figuras religiosas. En este sentido, el mejor ejemplo lo constituye la portada de la catedral de Dijon, en la cual el escultor Claus Sluter, coloca a los donantes Felipe, el Atrevido, Duque de Borgoña y su esposa Margarita de Flandes en compañía de sus patronos religiosos San Juan y Santa Catalina, todos en actitud de devoción a la Virgen María

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Los Púlpitos.- Los púlpitos eran plataformas elevadas que se encontraban en las iglesias a los fines de facilitar las actividades litúrgicas, tales como predicar los evangelios. Los monjes franciscanos pusieron de moda los púlpitos adornados con imágenes bíblicas. Lo novedoso de estas estructuras es que además de ser un elemento auxiliar de la liturgia eran verdaderas esculturas arquitectónicas. Los más afamados púlpitos fueron realizados por los italianos Nicolás y Giovanni Pisano, tales como los púlpitos del baptisterio de Pisa, de la catedral de Siena, de la iglesia de San Andrés de Pistoia, etc.

Púlpito de la catedral de Siena, Nicolás y Giovanni Pisano.-

Nicolás Pisano y Giovanni Pisano.- 

(aprox. 1205 - 1280 y 1250 -1314, respectivamente). 

Padre e hijo, considerados los más grandes escultores del gótico italiano. Ellos a menudo trabajaron juntos, aunque sus estilos pueden ser diferenciados; en este sentido puede decirse que las figuras de Giovanni tienen mayor carga de emotividad y son más elegantes que las del padre, siguiendo el estilo del gótico-francés. A la par de su obra escultórica, los Pisano fueron reconocidos arquitectos, su obra cumbre fue la catedral de Siena. En 1260, Nicolás esculpió el púlpito del baptisterio de Pisa, en el cual logró una magnifica adaptación de las formas clásicas al nuevo contexto gótico. Así inspirado en un antiguo sarcófago griego tomó la figura de un Hércules desnudo y lo transformó en Cristo, dotandolo de sentimientos. Igualmente fue coautor del púlpito de la catedral de Siena y de la fuente de Perugia en colaboración con su hijo Giovanni Pisano.

Nicolás Pisano. Púlpito del baptisterio de Pisa (1260). Dentro del baptisterio construido en estilo Románico se encuentra el sobresaliente e innovador púlpito de mármol blanco. El mismo se sustenta sobre una columna central instalada sobre un pedestal con imágenes grotescas, alegorías de las antiguas religiones paganas. Las seis columnas externas reposan de manera alternativa sobre los lomos de tres leones que representan el triunfo del Cristianismo. Los capiteles están decorados con motivos vegetales y los arcos están compuestos por un arco trilobulado dentro de otro de medio punto. Las enjutas entre estos arcos están labradas con imágenes de los profetas y de las virtudes. Todo ello conforma la estructura sobre la cual descansa el púlpito, propiamente dicho de forma hexagonal. En los cinco paneles del púlpito (porque el sexto esta abierto para permitir el acceso) fueron tallados a la manera clásica, es decir griega con gran profusión de figuras, la vida de Jesús, desde la anunciación hasta la crucifixión. Obsérvese la figura del Cristo musculoso en remembranza de un Hércules visto en un antiguo sarcófago. Por último vemos un águila coronando el púlpito.

Alrededor del año 1280 falleció Nicolás, siendo reemplazado por su hijo Giovanni en la dirección del taller. Éste, sólo o en compañía del padre esculpió las figuras de la fachada del baptisterio de Pisa (hoy en el Museo Nacional). Giovanni logró el pleno desarrollo de su arte en Siena; en el año 1278 fue designado Arquitecto Jefe en sustitución de su padre, continuando con la decoración de la catedral y de su púlpito, la figura de la Prudencia esculpida en ese púlpito debió haber inspirado a Masaccio para pintar a Eva en su cuadro la “Expulsión del Paraíso”. Las figuras de la fachada tienen una tremenda fuerza y vida interior, muchas de estas estatuas fueron transferidas por seguridad a los museos.

Giovanni esculpió además los púlpitos de la iglesia de San Andrés, en Pistoia y de la catedral de Pisa. También trabajó en esculturas de busto independientes del marco arquitectónica, la más conocida en la “Madonna con el Niño” ubicada en el altar de la catedral de Padua. Es sorprendente el realismo y la tensión dramática de sus figuras, características que han conducido a los críticos a considerar que Giovanni desempeñó en la escultura, un papel semejante al de Giotto en la pintura. El asteroide “7313 Pisano” recibió el nombre en honor de Nicolás y Giovanni Pisano

Giovanni Pisano. Púlpito de la catedral de San Andrés (Pistoia, Italia). Mármol. 1301. Los cinco relieves del púlpito la anunciación, la natividad, la adoración de los magos, la matanza de los inocentes, la crucifixión y el juicio final.

  Giovanni Pisano. Púlpito de la catedral de San Andres. La matanza de los inocentes (detalle)

Andrea Pisano y Nino Pisano.-

(aprox.1290- 1348 y 1315 - 1368 respectivamente). 

Padre e hijo, ambos fueron escultores y arquitectos florentinos. Andrea trabajó en Florencia, Pisa y Orvieto, es probable que alrededor del año 1341 abandonara Florencia con sus hijos Nino y Tommaso y se trasladara a Orvieto donde lo sorprendió la muerte a causa de la Peste Negra. 

La obra de Andrea se destaca por una elegante armonía, él supo representar con excelencia los pliegues de las vestimentas para conceder a las figuras una marcada corporeidad, además utilizó el paisaje de fondo como contrapunto en sus relieves. 

Su obra máxima es la puerta de bronce del baptisterio de Florencia. La fundición de esta puerta se hizo en el año 1332, no obstante el montaje se retardó 3 años. Son 14 escenas en cada una de las puertas; las 10 primeras narran la vida de San Juan Bautista y las últimas 4 se refieren a las virtudes. Las figuras están inscritas en un marco cuadrilobulado. 

Como arquitecto, le correspondió a Andrea Pisano suceder a Giotto en la construcción del campanario de Santa María del Fiore de Florencia. 

A su vez, Nino, colaboró con su padre en la elaboración de varias obras, siendo su asistente en la decoración de la puerta del baptisterio de Florencia. Igualmente realizó varias figuras independientes del marco arquitectónico.

Claus Sluter.- (1355-1406 aprox.) Escultor gótico de origen flamenco, principal representante de la escultura borgoñesa. Nació en Holanda, se formó en Bruselas y entró al servicio del Duque de Borgoña, como asistente de Jean de Marville en la construcción de la Cartuja de Champmol, en Dijon. A finales del siglo XII, bajo el reinado de Felipe, el Hermoso, la monarquía francesa había realizado grandes esfuerzos para organizar la administración central, pero el país aún no lograba la homogeneidad política. Algunas regiones estaban regidas por príncipes que gobernaban a la manera “imitatio regni”, es decir como verdaderos soberanos con absoluta independencia. Las cortes de los duques de Anjou, de Berry y de Borgoña rivalizaron con la del rey de Francia, no sólo en política sino también en lo artístico. En este sentido destaca la labor de Felipe de Valois, el Atrevido, duque de Borgoña y hermano de Carlos V quien en su afán de igualar a Paris construyó la cartuja de Champmol en Dijon, monumento funerario de la familia; entre los grandes artistas invitados estaba CLAUS SLUTER, quien ejerció notable influencia en el arte borgoñon. Sluter fue nombrado escultor principal, a la muerte de Marville y gozó de gran libertad de creación para expresar su originalidad. Su estilo a pesar de ubicarse dentro del gótico blando o internacional es de gran realismo. Su trabajo es muy emotivo y los ropajes abundantes y pesados caen en cascadas llenos de movimiento dejando entrever los cuerpos. Principales obras: La portada de la Cartuja de Champmol, el monumento funerario de Felipe, el Atrevido, el pozo de Moisés.

Claus Sluter. Portada de Champmol, Dijon.- Las esculturas de Claus Sluter están totalmente liberadas del marco. En el parteluz se encuentra la Virgen con el Niño, se observa gran dominio del movimiento del cuerpo, en efecto, la Virgen aparece envuelta en un manto de riquísimos plieges que crean un efecto de movimiento. A los lados están los donantes Felipe, el atrevido, duque de Borgoña y su esposa Margarita de Flandes (arrodillados), en compañía de San Juan y Santa Catalina. Resulta curioso que en la portada de una iglesia se representaran a personajes vivos y laicos ya que era un sitio reservado a personajes bíblicos y a santos patronos del lugar.

Jean Pépin de Huy.- Escultor y tallista francés, trabajó para la condesa de Mahaut de Artois. La actividad de este artista aparece muy vinculada con el mecenazgo de la condesa, tanto es así que no se tienen evidencias de trabajos realizados por el artista, después la muerte de ella. Realizó el monumento funerario del Duque Otón de Borgoña, de la cual sólo se conserva una figura llorando, el monumento funerario de Roberto de Artois y además esculpió en mármol una pequeña escultura de la Virgen con el Niño, una verdadera obra de arte, ésta figurilla fue donada por la condesa a la cartuja de Mont Sainte Marie. 

Final de la escultura gótica: El arte gótico fue sucedido por el Renacimiento. Italia, el país con mayor tendencia a lo clásico fue el primer lugar donde se dio paso a la nueva tendencia. “ …El fin de la escultura gótica se puede localizar con precisión con el surgimiento del Renacimiento en la Italia de comienzos del siglo XV, con la famosa competencia por el encargo de las puertas del baptisterio de la Catedral de Florencia…” (Wikipedia, la enciclopedia libre). No obstante, la influencia del gótico se extendió más allá de los límites italianos, en lugares como España y norte de Europa (Alemania y Flandes) donde pueden encontrarse modelos góticos hasta comienzos del siglo XVI.