ESTILO GÓTICO FLAMENCO

La Escuela Flamenca pasó por varios momentos, produciendo los pintores más destacados del norte de Europa, no sólo incluían a los originarios de Flandes, sino también de las ciudades vecinas. A lo largo del tiempo Amberes, Brujas, Leyden, Amsterdam, etc. promovieron el arte de los Países Bajos e influyeron en toda Europa, especialmente España. La primera etapa de la escuela flamenca, ocurrida en el siglo XV y XVI la constituye el Gótico-Flamenco, de la cual trataremos en este capítulo.
"... Un primer momento en la pintura flamenca se da durante el gótico, llamándose «gótico-flamenco». También ha sido considerado como «Renacimiento nórdico» y «prerrenacentista»..." Se trata de un gótico con influencias renacentistas ...Los llamados «primitivos» flamencos fueron los primeros en popularizar el uso de la pintura al óleo. Su arte tiene sus orígenes en la pintura de miniaturas del periodo gótico final...."
(http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_flamenca)

La concepción medieval del artista como artesano hizo que muchos no firmaran sus obras y por ende se desconozca sobre sus biografías, sin embargo, entre los pintores del gótico-flamenco o gótico tardío destacan: Jan van Eyck (1390-1441), Hans Memling, Roger van der Weyden (1399-1464), Hugo van der Goes (1440-1482), Robert Campin (1378-1444) y Hieronymus Bosch llamado El Bosco. (1450-1516)

Esta corriente rechaza la exagerada belleza decorativa del gótico internacional. Los pintores flamencos colocan lo religioso en un mundo real, en un ambiente casi doméstico donde lo sagrado y lo cotidiano se combinan para obtener obras llenas de una profunda fe pero desarrolladas con gran naturalidad. Ejemplo de lo anterior es la Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea de Robert Campin.

Robert Campin. “La Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea”. 1430. 63 x 49 cm. Estilo gótico-flamenco. La Virgen se encuentra en un ambiente de extremada sencillez doméstica; en vez del halo dorado, la santidad se marca con una pantalla de paja. En el extremo izquierdo, a través de una ventana abierta se observa una vista panorámica de una ciudad activa, dominada por una iglesia gótica y edificios holandeses de la época. Estos pequeños paisajes son muy frecuentes en la pintura flamenca.

En la escuela flamenca, el retrato adquiere una nueva dimensión, se trata de resaltar la individualidad psicológica del sujeto. En algunos de ellos la figura se coloca frente a un fondo oscuro que no distraiga la vista y por lo tanto se concentre todo la atención en el modelo

Petrus Christus. Retrato de una joven muchacha. (30 x 22 cm.) Fue el pintor mas importante de Brujas después de la muerte de su maestro Jan Van Eyck, Su pintura realizada al oleo con veladuras se caracteriza por la minuciosidad y los colores nítidos. La modelo anónima refleja dignidad, y una discreta sensualidad.






La escuela flamenca tiene su origen en las miniaturas, tal como se indicó anteriormente, de alli que el detallismo aplicado a estas pequeñas obras maestras se transmita a la pintura de gran formato. Esta característica se logra en gran medida por el avance técnico logrado por el óleo.

Hans Memling.- Desposorio místico de Santa Catalina. Oleo sobre tabla. (66 x 72 cm.) Posible alumno de Roger Van der Weyden. El tema ampliamente representado por la iconografía de los paises bajos muestra a la Virgen y el Niño, rodeados por Santa Catalina y Santa Bárbara, la primera esta sentada sobre los instrumentos de su martirio, la rueda y la espada y el Niño Jesús le coloca el anillo; la segunda lee tranquilamente al lado de la torre en la cual fue encerrada. La Virgen sentada bajo una pergola de rosas es muy común dentro del arte alemán. En la obra abundan los detalles, los vestidos de las santas princesas, la alfombra e incluso un paisaje.

Jan Van Eyck.- Virgen del Canónigo Van der Paele.

La principal aportación de esta escuela es la utilización del aceite como aglutinante de los colores. El descubrimiento de la pintura al óleo no sólo implicó un enriquecimiento de la paleta cromática y que los colores se hicieron más brillantes, traslúcidos e intensos; sino que también se produjo una ilusión de la perspectiva a través de las "veladuras". Estas son capas de pinturas al óleo sobrepuestas que dan la sensación de profundidad, produciendo un fenómeno optico llamado "trampatojo". El gran maestro de la pintura al óleo fue Jan Van Eyck, primero en desarrollar la nueva técnica y lograr de manera convincente la representación de la luz natural.


Otra de las características de la escuela flamenca es el nuevo realismo, lleno de dramatismo que influyó por toda Europa, hasta España y el Báltico donde se realizan numerosas crucifixiones y piedades de extraordinaria expresividad, como reacción de la terrible Peste Negra.

JAN VAN EYCK. (1390-1441)Trabajó en Brujas. Quizàs es el mas grande los pintores flamencos. Su estilo corresponde al gótico tardío y anuncia ya el renacimiento nordico. Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo, por el uso de vivos colores al oleo, por la meticulosidad de los detalles y la representación del espacio tridimencional o uso de la perspectiva. La tridimencionalidad lograda por Van Eyck no es a través de un punto de fuga, sino por el uso de las "veladuras", es decir por la aplicación de tenues capas de óleos aplicadas unas sobre otras, con lo que se logra la reflexión de la luz y una sugestión de profundidad, es decir una perspectiva falsa llamada trompe d'œil o trampantojo.
Muchas veces se ha atribuido a Van Eyck la invención de la pintura al óleo, si bien esta técnica ya era bastante conocida en Flandes desde el siglo XIV, no obstante la perfecciona con la formula del secado rápido, invento que permite las mencionadas veladuras.
Felipe II, el bueno lo nombro pintor de la corte, cargo que conservo hasta su muerte. Su obra más famosa es el Políptico de Gante o el Cordero Místico,

Jan Van Eyck.- Políptico de Gante, o el cordero místico.- Óleo sobre madera. 167 x 72 cm (paneles de arriba) 134 x 237 cm (tabla inferior)- Considerada obra fundamental de la pintura holandesa. La tabla superior central está presidida por la figura de Cristo en majestad, entre la Virgen y San Juan Bautista, intercesores de la humanidad. Continúan a ambos lados los ángeles cantores y las figuras desnudas de Adán y Eva. En la tabla inferior se representa la adoración del cordero por los habitantes de la ciudad celestial, repartidos en cuatro grupos: a la derecha un grupo formado por los obispos y cardenales con sus birretas de color rojo y otro por las santas vírgenes. A la izquierda observamos, un grupo de personalidades del antiguo testamento y varios paganos prominentes, entre ellos el poeta romano Virgilio, vestido de blanco y tocado con una corona de laurel y atrás el cuarto grupo formado por hombres y mujeres de la Iglesia. La sangre del cordero cae en el cáliz y simboliza la celebración de la eucaristía. Los cuatro ángeles centrales portan los instrumentos de la pasión de Cristo, la columna en la que fue azotado, los clavos de la crucifixión, la lanza que le perforó el costado y la esponja utilizada para aplacar la sed. El Espíritu Santo esparce la luz por todo el prado. La fuente de la vida aparece debajo del altar, tiene forma de pila bautismal y representa la vida eterna.

Van Eyck. La Virgen del Canciller Rolin. 1435. Óleo sobre madera 66 x62 cm. Museo del Louvre. Escuela Flamenca. Jan Van Eyck. Van Eyck fue denominado por el humanista Bartolomé Fazio como el “Pintor príncipe de su siglo”.El mundo profano y el divino se combinan perfectamente en la tabla. El donante Nicolas Rolin, canciller de Borgoña y Brabante se encuentra rezando de rodilla. La Virgen se le aparece con el Niño Jesús, quien lo bendice. En la terraza vemos unos lirios símbolo de la pureza de María, también se pueden ver una urraca y un faisán símbolos del paraíso terrenal. Las figuras se encuentran dentro del palacio y por la balaustrada se observa un paisaje perfectamente real. La línea ondulante propia del gótico se observa en los pliegues de los vestidos que cae como cascada y en los rulos de la caballera.

Jan Van Eyck .-El Matrimonio de Arnolfini. 1434. (82 x 60 cm) óleo sobre roble. Galería Nacional. Londres. Este asombroso retrato doble atestigua el matrimonio de un rico mercader italiano establecido en Brujas. La pintura esta cargada de simbolismos. Para la época en que se pintó la obra, no era requerida la presencia de un sacerdote en la ceremonia, bastaba la presencia de testigos, los cuales se reflejan en el espejo, posiblemente el pintor sea una de las figuras reflejadas; la única vela en el candelabro representa el ojo de Dios que santifica la unión. El rosario de cristal era un típico regalo de compromiso que el novio daba a su futura esposa, el cristal era símbolo de la pureza de la novia. El color verde representaba la fertilidad; aunque la novia no estaba embarazada, se le dibuja en estado de gravidez para aludir a sus futuros embarazos. Santa Margarita se encuentra grabada en la cama con su atributo el dragón, ella era la patrona de los alumbramientos. La escobilla adyacente recuerda a Santa Marta, la patrona de las amas de casa. El perrito, además de dar frescura a la obra, representa la fidelidad. La obra aparece firmada en caligrafía gótica y se lee "Jan Van Eyck estuvo aquí en 1934”. Lamentablemente el matrimonio no tuvo un final feliz, la novia Giovanna Cenami no tuvo hijos y Arnolfini fue demandado por una amante en busca de compensación al ser abandonada.


ROBERT CAMPIN. (1375-1444). Tambien conocido como Maestro de Flemalle o Maestro de Merode. Fue un revolucionario de la pintura, no solo por ser uno de los primeros en utilizar la tecnica del oleo, sino tambien por realizar retratos como tematica principal de un cuadro, asi pinto a los burgueses y notables de su tiempo. Fue perseguido por motivos pol÷iticos y adulterio, no obstante su fama como pintor lo ayudo a evadir la justicia. Junto con Van Eyck se le considera creador del estilo flamenco, en clara ruptura con el estilo del gçotico internacional, es decir el decorativismo deja paso a un marcado naturalismo. Igualmente, varios autores lo consideran iniciador de pre=renacentismo nordico.

Roger Van der Goes.- (Gante 1440- Bruselas 1482) En vida gozó de fama entre los burgueses y la aristocracia, se desempeñó tambien como pintor de la ciudad. Sufrió de una enfermedad metal por lo cual se retiró a vivir en un monasterio, no obstante sus estados depresivos continuó trabajando hasta su muerte. Intentó suicidarse en 1480 y murió dos años después.
Roger Van der Goes.- Adán y Eva.
ROGER VAN DER WEYDEN. (1400-1464). Fue alumno de Jan Van Eyck y Robert Campin. Fue nombrado pintor oficial de Bruselas en 1436. Representço temas religiosos y notables retratos.
Como buen pintor flamenco, Van der Weyden va a dedicar especial atención a los detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, a esto se debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura. Murió en Bruselas en el año 1464 después de haber trabajado para la alta nobleza flamenca, retratando a muchos de sus miembros. Su obra quizá más famosa es el descendimiento de Cristo.


Roger Van der Weyden. El descendimiento de la cruz.- La atmósfera de emoción intensa es lo más sobresaliente de esta tabla. Nueve figuras de tamaño natural rodean el cuerpo exánime de Cristo. María se desmaya a la de Cristo. El cuerpo de Jesús es sostenido por José de Arimatea la izquierda y por Nicodemo a la derecha. La cruz de reducido tamaño es simbólica del martirio. Maria Magdalena en el extremo derecho es reconocida por el tarro de ungüento y aceites con los que lavo los pies de Cristo. Las dos ballestas que aparecen en la tracería de ambos lados permiten identificar al donante de la obra, el Gremio de Ballesteros de Lovaina. El craneo de Adan es un elemento constante en los temas del calvario, alude al triunfo Cristo sobre la muerte .

Roger Van der Weyden.- Magdalena leyendo.-

Hieronymus Bosh Y Mathias Grünewald forman parte, junto a otros pintores del norte, del llamado Gótico Tardío; fueron artistas de principio del siglo XVI, que a pesar de desarrollarse en coexistencia con otros pintores renacentistas (Durero, Cranach y Holbein), conservaron sus vinculaciones con la tradición y pensamientos góticos. De tal manera que en el norte de Europa, en la primera mitad del siglo XVI coexistieron las dos tendencias artísticas del gótico y del renacimiento.

Matias Grunewald. La cruxifición

Hieronymus Bosch (El Bosco). (1450-1516), pintor y grabador holandés, nació en la ciudad de Hertogenbosch, no se tiene conocimiento de que haya salido de su ciudad de origen, ni siquiera a la cercana ciudad de Amberes. Su obra, por lo general de temática religiosa e iconografía demoníaca, se nutre de personajes fantásticos y paisajes oníricos que anticipan en cinco siglos el movimiento surrealista.

El taller de pintura familiar fue heredado por su hermano mayor, por lo cual, al crear su propio taller tomó el nombre simplificado de su ciudad natal como distintivo, de allí que se le conozca como el Bosch, que latinizado se convirtió en el Bosco.
Contrajo matrimonio con una joven de familia acomodada, llamada Aleyt van Meervene, lo que le permitió acceder a la alta burguesía. Perteneció al movimiento Devotio Moderna, una cofradía religiosa formada por laicos dedicados al culto de la Virgen y a las obras de caridad.
El Bosco destacó como pintor en su época y recibió muchos encargos, incluso Felipe II de España adquirió muchísimas de sus obras que actualmente se encuentran en el Museo del Prado.
Su obra es una crítica religiosa, retrata la oscuridad del alma y de una forma irónica da un mensaje moralista, la condena eterna en el Infierno por los pecados cometidos. Se valió de las fuentes de las costumbres populares para plasmar la debilidad humana, las tentaciones, la ignorancia, la peste, la guerra...
Sus obras se encuentran recargadas del personajes y alegorías sobre el pecado y el Infierno; al final sus cuadros tienen pocas figuras pero de gran tamaño. No obstante sus personajes continúan teniendo algo de caricaturas, con abundante sarcasmo e imaginería.

El Bosco. El jardín de las Delicias. Tríptico. Oleo sobre tabla, (206 cm x 386 cm, compuesto por tres tablas pintadas por ambos lados) Fue adquirida por Felipe II para adornar su dormitorio en El Escorial y actualmente se encuentra en el museo del Prado. Obra cumbre del Bosco llena de simbolos y metáforas. La visión del mundo y de la humanidad es pesimista y El Bosco de una manera irónica y con abundante imaginería trata de dar un mensaje moralizante. El trìptico cerrado representa al tercer día de la creación, un globo terraqueo en blanco y negro.
En la tabla izquierda se encuentra el Jardín del Edén, aparece Dios, en la forma de Jesucristo con Adán y Eva, al lado se encuentra el árbol del bien y del mal (una palmera) con el Diablo enrrollado en forma de culebra y en el centro la fuente de la vida. Aunque se trata de un paisaje sobre el Paraiso Terrenal, varios signos indican la aparicion del pecado, tales como los animales comiendose entre si. El panel central representa la lujuria; para la mente medieval, el acto sexual era pecado y asi aparecen hombres y mujeres desnudos en toda clase de relaciones sexuales. Las frutas gigantes representan los placeres de la carne, ya que la expresion medieval "coger la fruta" se refiere a tener comercio sexual. El pecado femenino se representa a traves de reptiles, insectos y peces y el pecado masculino con animales voladores. Las estructuras que aprisionan a los personajes como pompas o alambimques significa que el pecado se ha apoderado del alma humana. Al centro del jardín hay un lago, "el baño de Venus", que simboliza posiblemente la fuente de la etena juventud, a su alrededor hombres y mujeres cabalgan sobre animales. Montar a caballo era metáfora del acto sexual y el baño de Venus significa el enamoramiento, los animales que aparecen son tomados del bestiario medieval. La única persona vestida es Adán, quien se sienta con Eva en la boca de una caverna en la esquina inferior derecha. De acuerdo con escritos apócrifos, ellos se refugiaron en una cueva tras su expulsión del Paraíso. Las cuatro estructuras extrañas con formas fálicas representan los cuatro rincones de la Tierra. Existe una concepcion misogena en el cuadro, y en consecuencia se señala a Eva con el dedo para indicar que la mujer es la culpable de las desgracias humanas.
En la tabla derecha, el infierno. La raza humana ha destruido el Paraíso y sólo con grandes dificultades es capaz de lograr la salvación. Se observan muchos instrumentos musicales, asociados con la idea del pecado, asi por ejemplo la gaita puede ser un elemento de la homosexualidad. Esta es una tabla oscura en comparacion con las otras dos. La parte superior representa un infierno en llama, en verdad se trata de la ciudad natal cuyo incendio fue presenciado por el Bosco. En el medio vemos un cuchillo entre dos orejas, claro simbolo del falo masculino, un hombre=arbol mira directamente al espectador y trata de ocultar las llagas de la sifiles, enfermedad relacionada con el pecado carnal, su torax esta abierto y hueco como una cascara de huevo, debajo hay un lago helado. El frio es tambien una forma de tortura del infierno. Hay un personaje con cabeza de animal sentado en un retrete, es Satanas que devora a los condenados y los defeca posteriormente en un pozo lleno de inmundicias. Debajo del manto hay una mujer viendose en un espejo sostenido por unas nalgas, clara alusion a la vanidad. En el fondo del panel se encuentran jugadores torturados por demonios los cuales representan los pecados de la pereza y el ocio, asimismo se ve a un hombre abrazando un cerdo con velo de monja en representacion de la lujuria

El Bosco. "El carro de Heno". Oleo sobre tabla. Tríptico. La tabla central mide 135 cm x 1oo cm. y las laterales 135 cm. x 45 cm cada una. Museo del Prado. En la tabla central se representa un proverbio popular flamenco, basado en el profeta Isaías: los placeres y las riquezas van en un carro de heno de efímera existencia. El heno representa las riquezas temporales, objeto de codicia. En lo alto del carro se muestra una pareja de campesinos besandose (lujuría). La lechuza simboliza la herejía, el pavo real la vanidad, las criaturas híbridas los vicios... Guiando el cortejo detrás del carro se observa al Rey de Francia, al Papa y al Emperador de Alemania, de tal forma que todos, ricos y pobres, poderosos y vasallos van por la vida tentados por los placeres y alejandose de Dios. El panel de la izquierda representa el pecado y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal y el de la derecha trata sobre el infierno y el castigo de los pecados

El Bosco. La Nave de los locos. Museo del Louvre. Oleo sobre tabla.(58 cm x 33 cm).Tema inspirado en las tradiciones de Flandes y la obra satírica alemana "La nave de los necios" de Sebastian Brant y de Erasmo "Elogio a la locura", La barca donde se come, se bebe y se baila va a la deriva; el mástil es un arbol en el cual se esconde el Diablo. El tema central es la monja y el fraile franciscano que en su afán por comer algo que pende de un hilo no se fijan de que estan robandole la comida de la mesa. La simbología esta presente como en todas las obras del Bosco, la lechuza representa la herejía, la calavera la muerte, el laud y las cerezas tienen connotaciones eróticas, la media luna musulmana es tambien simbolo de la herejía, el embudo invertido es la locura, el mar representa los pecados, el ave asada la gula y el cuchillo que se usa para cortalo es un simbolo fálico, aparece igualmente un cántaro alusivo al sexo femenino. El Bosco denuncia los vicios en que incurre la locura del hombre.