“El gótico abre un capitulo nuevo en la historia del arte: el paso de la Edad Media al Renacimiento y el comienzo de la pintura profana. Mientras que la ideología del hombre medieval se centraba en el más allá, el artista gótico se inspira en la vida misma y encuentra una nueva verdad. El descubrimiento del nuevo mundo de los sentidos da lugar a una concepción de la realidad más placentera y marcadamente afectiva…“ (“Gótico”, Robert Suckale y otros, edt Taschen, pág. 6).
En contraste con el bizantino y el románico, la característica más llamativa de la pintura gótica es un aumento del naturalismo. Esta cualidad que nace en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, se extiende en toda Europa. Las figuras se alejan de la rigidez y esquematismo de los estilos anteriores, para abrirse hacia un naturalismo que se incrementarán a lo largo de su evolución.
Así las figuras se humanizan y expresan emociones; aparece tímidamente el paisaje y se pintan pormenores graciosos y delicados como flores y aves en un afán de plasmar las bellezas de la naturaleza. Las figuras son colocadas dentro de un ambiente real, ya sea dentro de un paisaje o dentro de un marco arquitectónico
El nuevo estilo, también se caracteriza por la delicada captación de los detalles, el animado trazado de la línea, la luminosidad del color y el refinamiento técnico.
“…En todo caso se desea hacer un arte amable, idealizado, que atraiga al contemplador por la belleza del dibujo y la suavidad del colorido, en estrecho paralelismo con el pensamiento de esta etapa de la cultura gótica…” (“Historia del Arte”.Edt. ANAYA, pág. 212).
Giotto.- Capilla de Scrovegni, Padua. Estilo Gótico-italiano. La capilla fue ordenada por Enrico Scrovegni para redimir los pecados de su padre, un rico usurero, a quien Dante, en su Divina Comedia lo coloca en el infierno. La misma fue pintada por Giotto entre 1303 a 1305, contiene escenas sobre la vida de María y de Jesús. Se reproduce "La matanza de los inocentes". Numerosos niños degollados por orden del Rey Herodes yacen en el suelo. Las mujeres gritan, lloran e intentan desesperadamente de proteger a sus hijos, mientras los hombres de la izquierda apartan las miradas avergonzados.
Pintura sobre tabla.- Se impuso en toda Europa y a partir del siglo XV se convirtió en la forma pictórica predominante. Se distingue entre los retablos y las tablas de devoción; las primeras son tablas que se colocaban en los altares y en los muros de las capillas laterales, podían ser dípticos, trípticos o polípticos dependiendo del número de piezas; las tablas de devoción eran de menor tamaño y se utilizaban para fomentar la oración y para adornar las casas particulares.
La pintura era al temple, técnica que consiste en disolver los pigmentos de colores molidos en agua y templarlos o engrosarlos con huevo, también podían utilizar la cola de los huesos de los animales u otras sustancias como aglutinante; las pinturas al temple son densas, opacas y mates pero mantienen el color inalterable por mucho tiempo. En el norte de Europa, surgió la pintura al óleo, en la cual se utilizaba el aceite como aglutinante, dando un colorido y brillantez exquisitos a la pintura.
Jan Van Eyck.- Políptico de Gante. Óleo sobre madera. Estilo Gótico-flamenco.. Considerada la obra fundamental de la pintura holandesa. La tabla superior central está presidida por la figura de Cristo en majestad, entre la Virgen y San Juan Bautista, intercesores de la humanidad. Continúan a ambos lados los ángeles cantores y las figuras desnudas de Adán y Eva. En la tabla inferior se representa la adoración del cordero por los habitantes de la ciudad celestial .
Características de la pintura gótica.
Por lo que se refiere a la pintura gótica, debemos señalar que resulta más difícil establecer las características generales de la misma, que lo que respecta a la obra arquitectónica, donde los arcos apuntados, las bóvedas nervadas y las columnas múltiples señalan más claramente el nuevo estilo. En la pintura, las tendencias o estilos góticos difieren entre sí, no obstante trataremos de señalar algunas de sus principales características:
1.- Naturalismo.-
La característica más evidente de la pintura gótica es su naturalismo. Tal como sucedió con la escultura, la pintura gótica tiende al realismo y al gusto por la naturaleza. Las figuras se humanizan y expresan sentimientos, dejan de ser hieráticas para adoptar poses más normales y habituales. Los cuerpos se adivinan fácilmente debajo de los ropajes.
Igualmente observamos que las figuras empiezan a colocarse dentro de un decorado real, ya sea dentro de un tímido paisaje o de un marco arquitectónico vinculado al tema pintado.
La escuela italiana, de la que hablaremos más adelante, fue la pionera al impulsar el naturalismo o imitación de la naturaleza, tendencia que va a culminar en el Renacimiento. En consecuencia se coloca a Cristo, a María y a los santos en un plano más humano, demostrando emociones y sentimientos. “…El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay mucho sentimiento en las obras góticas…” (Wikipedia, la enciclopedia libre). Ejemplo de lo expuesto: Giotto, quién empezó una nueva etapa en la historia de la pintura, dio a sus obras un realismo extraordinario dignificando a sus personajes con una humanidad desconocida hasta entonces.
Este creciente naturalismo responde a las ideas filosóficas sobre Dios y naturaleza de San Francisco de Asís, para quién todo ser u objeto era importante por ser creación de la divinidad.
Deposición de Cristo. Giotto ( 1266- 1337) 230 x 200 cm. Estilo Gótico Italiano. Pintura mural en la Capilla de los Scrovegni, en Padua.Con diferentes gestos de compasión y dolor los personajes se acercan a Cristo. El momento central es el abrazo de María a su hijo muerto subrayado por la patética expresión de dolor en uno de los ángeles .
2.- Inicio de la pintura profana y surgimiento del retrato.-
No obstante que la fuente de inspiración del arte gótico continuó siendo la religión, los artistas en esta época empiezan a interesarse por temas profanos.
En verdad, durante los inicios del gótico se producían principalmente obras religiosas, las cuales cumplían un fin didáctico al transmitir las enseñanzas bíblicas a la población analfabeta o incentivaban la contemplación y la oración, con esta última finalidad se realizaban los iconos o tablas de devoción, pequeños retablos de madera mandados a elaborar por la gente pudiente; pero a medida que evolucionó el arte y se acrecentó la clase burguesa, la temática se va a hacer cada vez más laica.
La aparición de la figura del cliente, persona que encargaba o patrocinaba la creación de una obra, va a producir una interacción entre la religiosidad y la vida cotidiana, lo que trajo consigo no sólo detalles cotidianos sino la aparición de un nuevo género pictórico: el retrato.
Es así que en las pinturas religiosas se suele representar al donante o cliente, en su deseo de querer conservarse para la posterioridad en una actitud de devoción frente a Dios, la Virgen o los santos. De esta forma empieza a desarrollarse el retrato en un lento camino al individualismo. Pero no será hasta el Siglo XIV cuando se descubra a la figura como retrato personal, como la tabla de Juan, el bueno.
Anónimo. "Juan, el Bueno" . Escuela Gótica-francesa. (1360 aprox.)59x 37 cm. Museo del Louvre. En la pintura flamenca se tratan temas cotidianos, propios de la clase burguesa. La rica burguesía demanda una nueva elegancia dentro del arte, por ello hay más detalles narrativos, más frescura; también hay más color y luminosidad, que se logran gracias al invento de la pintura al óleo.
Jan Van Eyck.- El Matrimonio de Arnolfini. 1434. ( 82 x 60 cm) óleo sobre roble. Galería Nacional. Londres. Este asombroso retrato doble atestigua el matrimonio de un rico mercader italiano establecido en Brujas. La pintura esta cargada de simbolismos. Para la época en que se pintó la obra, no era requerida la presencia de un sacerdote en la ceremonia, bastaba la presencia de testigos, los cuales se reflejan en el espejo, posiblemente el pintor sea una de las figuras reflejadas; la única vela en el candelabro representa el ojo de Dios que santifica la unión. El rosario de cristal era un típico regalo de compromiso que el novio daba a su futura esposa, el cristal era simbolo de la pureza de la novia. El color verde representa la fertilidad; aunque la novia no estaba embarazada, se le dibuja en estado de gravidez para aludir a su futuros embarazos. Santa Margarita, patrona de los alumbramientos, se encuentra grabada en la cama, se distingue por su atributo el dragón. La escobilla adyacente recuerda a Santa Marta, la patrona de las amas de casa. El perrito, además de dar frescura a la obra, representa la fidelidad. La obra aparece firmada en caligrafía gótica y se lee "Jan Van Eyck estuvo aquí en 1934". Lamentablemente el matrimonio no tuvo un final feliz, la novia Giovanna Cenami no tuvo hijos y Arnolfini fue demandado por una amante en busca de compensación.
3.- Trazado de la línea.-
La línea gótica es ondulada, como un arabesco, lúdicamente oscilante y quebrada.
Esta característica se resalta especialmente en los bordes de los ropajes, tanto en las pinturas como en las esculturas. Durante el gótico temprano en los ropajes predominaban los pliegues largos y estrechos, pero hacia 1400, los pliegues de los caen como cascadas ondulantes enmarcando la figura central. Al igual que sucede en los ropajes, las cabelleras destacan por sus rizos homogéneamente ondulados
Maestro de la Virgen de Klodzko. Técnica mixta sobre madera. (186 x 95 cm.). Este pintor trabajó en Praga a mediados del siglo XIV. Tiene una marcada influencia del arte italiano del Trecento. Esta tabla es una obra maestra de la pintura bohemia. El encuadramiento del trono está tratado como si fuera una arquitectura real. Gran detallismo que encierra numerosos símbolos religiosos. Los leones ubicados en la parte superior recuerdan al trono de Salomón, el muro negro inferior al “huerto cerrado”, es decir a la pureza virginal; la estrella superior al título honorífico de la Virgen, Estrella de los Mares, guía de la humanidad. El Niño porta un rollo de pergamino según la tradición bizantina; la piel oscura de la Virgen recuerda a la novia del Cantar de los Cantares que era de tez negra. Al pie aparece el donante el arzobispo de Praga.
Esta acentuación de la línea impone al cuerpo gótico una estilización simbólica y en definitiva inmaterial. Las figuras, tanto en la pintura como en la escultura son altas y delgadas y en este sentido, hacia el siglo XIV son marcadamente onduladas, en forma de “S”, un claro ejemplo es la Virgen de la Anunciación de Simone Martini.
Simone Martíni, La anunciación 1333. (265 x 305). Galeria de Uffizi, Florencia. Estilo Gótico italiano, Escuela Sienesa. Las figuras son estilizadas y de líneas onduladas, especialmente la Virgen en forma de S. María se retira asustada ante el ángel, ella va vestida de azul, color que representa al cielo. Los lirios blancos simbolizan la pureza de la Virgen.
4.- Ornamentación real.-
No obstante que continúa utilizándose el fondo dorado para enmarcar a las figuras, observamos que los pintores góticos se complacían en tomar detalles de la naturaleza para adornar sus obras, así tenemos que aparece tímidamente el paisaje y se reproducen flores, aves, árboles, etc... Y, en aquellas pinturas en las cuales los personajes aparecen ubicados en espacios interiores se dibujan ambientes arquitectónicos, todo a los fines de dar mayor realismo a las composiciones.
La Virgen en el huerto cerrado del Maestro de Frankfurt. 1410. Técnica mixta sobre madera. 26 x 33 cm. La minuciosa representación del césped, de las flores, del árbol de la ciencia, cuyo tronco aparece trenzado y de los pájaros adorna este momento de beatitud. El huerto cerrado por el muro simboliza la concepción inmaculada de María y a la vez denota interés por la naturaleza .
Ambrogio Lorenzetti.- Alegoría al buen gobierno. Fresco. Ayuntamiento de Siena.- Pintor gótico de la escuela italiana de Siena. Posiblemente, se formó en el taller de Duccio, no obstante superó al maestro al implantar mayor naturalismo y por el uso de la perspectiva lineal. Trabajó en los frescos del Palacio Pùblico o ayuntamiento de Siena en un tema cívico-político. La obra tenía claros fines propangandísticos al referirse a los efectos de los gobiernos. El pintor fue un verdadero maestro al incorporar la acción en un escenario creible, real. Resaltan los paisajes rurales y urbanos en todas sus obras. En la reproducción vemos como ubican los personajes en un ambiente urbano, en el cual se distingue las formas arquitectónicas de la ciudad de Siena. El pintor y su hermano, tambien pintor, murieron durante la gran peste negra.
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